Intérpretes: Evan Rachel Wood (Lucy), Jim Sturgess (Jude), Joe Anderson (Max), Dana Fuchs (Sadie), Martin Luther McCoy (Jo-Jo), T.V. Carpio (Prudence), Bono (Dr. Robert), Eddie Izzard (Mr. Kite).

Across the universe narra una historia de amor ambientada en el trasfondo de los años 60, en medio de los años turbulentos de las protestas contra la guerra, la exploración mental y el rock’n roll. La pelí­cula se traslada desde los muelles de Liverpool hasta la psicodelia creativa de Greenwich Village, desde las calles rasgadas por las revueltas de Detroit hasta los campos de muerte de Vietnam. Los desventurados amantes, Jude y Lucy, junto con un pequeño grupo de amigos y músicos, son arrastrados hacia los movimientos emergentes contra la guerra y las tendencias contraculturales, con el Dr. Robert y Mr. Kite como sus guí­as.

Musical romántico ambientado en los años 60 del siglo XX en la época de los años turbulentos de las protestas contra la guerra, la exploración mental y el rock’n roll. La historia gira en torno a institutos y universidades en Massachusetts, Princeton y Ohio, y se traslada desde los muelles de Liverpool hasta la psicodelia creativa de Greenwich Village en Nueva Cork; desde las calles rasgadas por las revueltas en Detroit, hasta los campos de muerte de Vietnam. “Musical modelo montaña rusa, aparatosa aberración condenada al éxito abrumador (…) proporciona una tan intensa experiencia de la tirria que este crí­tico volverá a ir a verla, tarde o temprano Original y gozosa comedia musical.

“El musical funciona muy bien como tal, un guión tan previsible como eficaz… lamentablemente, las grandilocuentes í­nfulas autorales de Taymor acaban por imponerse sobre el conjunto.

Como experiencia musical (o incluso humana) “Across the Universe” es una gozada. Como pelí­cula tiene demasiados defectos como para decir que es realmente buena. El principal problema es que no es (o no quiere ser) un musical clásico, con su historia “normal” de vez en cuando narrada con canciones. En Across the Universe la historia está escrita para hilar decenas de canciones ya escritas. Y el resultado es un popurrí­ de los Beatles. Dicho de otro modo: la historia es una mierda. Una caótica mierda. Pero por suerte para los espectadores hace unos 40 años en Liverpool hubo unos chavales que no tení­an nada mejor que hacer que componer decenas de canciones geniales. Y si Across the Universe es tan disfrutable es porque es un no parar de música maravillosa, y de paso cuenta una encantadora historia de amor y desamor y de paz y de revolución. Una historia que sin los Beatles no serí­a encantadora, y se le notarí­a que está fatalmente escrita. Da igual, el objetivo era hacer una peli con las canciones de los Beatles, y ahí­ están “Let It Be”, “Dear Prudence”, “Something”, “Revolution”, “Blackbird”, “Hey Jude” o “All You Need Is Love” llenando momentos realmente emotivos. Aunque falta “Yesterday”, curiosamentePero además de oirse, las pelí­culas se ven, y Julie Taymor se ha propuesto hacer una pelí­cula visualmente deslumbrante. No lo ha conseguido, a pesar de contar con el director de fotografí­a de las memorables en ese aspecto (y en todos) “Amelie” y “Largo domingo de noviazgo”, y ésta es una pelí­cula que entra por los oí­dos, no por los ojos, y visualmente tiene escenas muy fallidas (“For the Benefit of Mr. Kite”). Pero a pesar del a veces dudoso gusto de la Taymor, de los errores de casting (con ese Bono al borde del ridí­culo… y soy fan de U2), del guión relativamente chapucero (y digo “relativamente” porque hay que reconocer que escribir una pelí­cula partiendo de un puñado de canciones es un reto complicado) y de algunos momentos flojos, la sensación que deja Across the Universe es de auténtico gozo. Y hay que recordar que: “la respuesta está flotando en el viento”.

(Londres, 31 enero 1929 – Santa Mónica, California )

Actriz británica. Belleza morena, se inició en el cine en su adolescencia. A los quince años comenzó a hacer pequeños papeles en el cine, destacando en Cadenas rotas y la nativa en Narciso negro. El gran paso lo da con Ofelia en el Hamlet de Laurence Olivier. Después de interpretar las interesantes La isla perdida, Adán y ella y Extraño suceso, se instaló con su marido (Stewart Granger) en Hollywood. En los años cincuenta (el mejor momento de su carrera, interviene en superproducciones de “peplums” (Andocles y el león, La túnica sagrada Sinuhé el egipcio, Espataco) y
pelí­culas históricas en general (La reina virgen, Desirée), pero también protagoniza el policiaco Cara de ángel; la comedia La actriz; el musical Ellos y ellas; los dramas Mujeres culpables, Esta tierra es mí­a, Horizontes de grandeza. En la década de los 70 hizo menos y más flojas pelí­culas, pero destacan El fuego y la palabra, Con los ojos cerrados y Página en blanco. Posteriormente hizo más TV que cine.

(Tulsa, Oklahoma, 2 marzo 1919 — Malibu, California, 17 diciembre 2009)

Fue una gran estrella femenina de los años 40 y 50. Jennifer Jones (de nombre real Phyllis Flora Isley). Sus padres estaban inmersos en el mundo del espectáculo, pues poseí­an una sala de espectáculos y se dedicaban al vodevil. La pequeña Phyllis siempre se mostró gustosa de compartir la querencia interpretativa de sus progenitores, y desde muy niña actuó con ellos en sus shows. Cuando superó la adolescencia se matriculó en la American Academy of Dramatic Arts, ubicada en la ciudad de Nueva York. En la famosa escuela de interpretación, Jennifer conoció a Robert Walker, con quien se casarí­a en 1939. Ese mismo año consiguió entrar en el cine gracias a firmar un contrato con la Republic.

Su gran oportunidad llegó cuando el productor David O. Selznick se fijó en ella y la contrató para intentar convertirla en una estrella. Le cambió el nombre definitivamente al de Jennifer Jones y la hizo protagonista de un buen número de producciones, que la confirmarí­an como una de las principales actrices de su tiempo.

El matrimonio con Robert Walker también se verí­a afectado por este encuentro profesional entre Selznick y Jones, ya que la pareja productor/actriz terminarí­an casándose en 1939. Anteriormente, en 1944, Walker y Jennifer se habí­an divorciado.

El éxito cinematográfico de la morena intérprete comenzarí­a con su interpretación en La canción de Bernadette (1943, Henry King) que le supondrí­a la consecución del Oscar a la mejor actriz.

El primer trabajo producido por David O. Selznick serí­a el filme Desde que te fuiste (1944, John Cromwell). Otros tí­tulos de Jennifer bajo producción de Selznick fueron Duelo al sol (1946, King Vidor), Jennie (1948, William Dieterle) y Adiós a las armas (1957, Charles Vidor).

Con Robert Walker y Joseph Cotten en Desde que te fuiste (1944)

En Cartas a mi amada (1945)

En Duelo al sol (1946) con Gregory Peck

Pero no sólo de colaborar con su marido se nutrí­a la carrera de Jennifer Jones, otras excelentes pelí­culas, productores y directores requirieron su presencia. Cartas a mi amada (1945, William Dieterle), El pecado de Cluny Brown (1946, Ernst Lubitsch), Madame Bovary (1949, Vincente Minnelli), Carrie (1952,William Wyler), Estación Termini (1953, Vittorio De Sica), La burla del diablo (1953, John Huston), La colina del adiós (1955, Henry King), La terrible miss Dove (1955, Henry Koster o El hombre
del traje gris (1956, Nunnally Johnson) junto a Gregory Peck, fueron cintas destacadas que contaron con su presencia.

Las actuaciones de Jennifer Jones le proporcionaron, además del Oscar por La canción
de Bernadette, cuatro nominaciones más: Desde que te fuiste (1944), como actriz secundaria y Cartas a mi amada (1945), Duelo al sol (1946) y La colina del adiós (1955), como actriz principal.

Después de Adiós a las armas (1957, Charles Vidor), Selznick no produjo ningún tí­tulo más y Jennifer le acompañó en su retiro cinematográfico, regresando esporádicamente en los 60 con Suave es la noche (1962, Henry King) y Falso í­dolo (1966, Daniel Petrie).

Incluso en los años 70 se le vio en la superproducción El coloso en llamas (1974, John Guillermin e Irwin Allen). Fue su última pelí­cula.

En 1965 falleció David O. Selznick, dejando viuda a la actriz, quien reconducirí­a su vida sentimental en 1971 tras casarse con el magnate y coleccionista Norton Simon, creador de un famoso museo en Pasadena (EE.UU.). Tras la muerte de Simon, la ex actriz continuó gestionando el museo, en cuyo patronato figura la también actriz Candice Bergen.

(Nancy, 4 abril 1920 , Parí­s, 11 enero 2010)

Si hay un cineasta que se caracteriza por la sutileza, el buen gusto y el equilibrio formal, ese es, sin duda, Eric Rohmer. Su filmografí­a puede clasificarse en seis Cuentos morales
(1962-1972), otras tantas Comedias y proverbios
(1980-1987), Cuatro Estaciones (1990-1998) y diversos entremeses, ya sean largometrajes o episodios televisivos de inspiración rosselliniana.

Para comprender su cine es primordial leer sus escritos, ya que entre ellos y su filmografí­a hay una extraordinaria coherencia. En uno de sus textos fundamentales, “El cine y el espacio”, Rohmer escribe: “Contrariamente a lo que se podrí­a pensar, un filme incurrirá tanto más en la acusación de esteticismo cuanto su grado de pureza sea menor, cuando la voluntad de estilo del realizador no consiga determinar con un rigor suficiente el contenido, en función del modo de expresión adoptado”.

A partir de La mujer del aviador, Rohmer utiliza regularmente pelí­cula de 16 mm, después ampliada a 35 mm. Esta utilización de los recursos es porque el cineasta no quiere para sus pelí­culas una fotografí­a demasiado bonita. “En 35 mm se cae muchas veces en una imagen de postal, y eso es lo que siempre quiero evitar en mis films”, dijo el realizador.

Cerca del cine de Rivette y de Resnais, Rohmer se preocupa por una puesta en escena en la que los detalles definen a los personajes. Entre sus criaturas suelen figurar intelectuales, filósofos, escritores o simples diletantes que en algún momento caen en el ridí­culo.

En 1962, Rohmer se lanza a la realización de su primer gran proyecto: seis cuentos llamados morales porque están “casi desprovistos de acciones fí­sicas: todo se desarrolla en la cabeza del narrador”. Cuando al cineasta le preguntaron cómo se le ocurrió la idea de realizar los cuentos morales, respondió: “En parte porque querí­a seguir la misma idea a través de diversos films; en parte porque pensé que el público y los productores estarí­an mejor dispuestos a aceptar mi idea en esta forma que en otra. En vez de preguntarme a mí­ mismo qué temas resultarí­an más atractivos para el público, me persuadí­ a mí­ mismo de que lo mejor serí­a tratar el mismo argumento seis veces o más. Con la esperanza de que a partir de la sexta vez, el público vendrí­a hacia mí­”.

El éxito de pelí­culas como Mi noche con Maud, La coleccionista o El pequeño salvaje, guarda estrecha relación con la admirable coherencia narrativa del director francés. Eric Rohmer nunca se preocupó por agradar al público con sus pelí­culas; si quiso, y lo logró, plantearle problemas. Los llamados “tiempos vací­os” que son la sustancia narrativa de Cuento de invierno, Cuento de primavera y Cuento de
verano son como las zonas de indeterminación de los textos de Antón Chéjov. Se trata de momentos en los que aparentemente no pasa nada, y sin embargo, pasa de todo. Por esas secuencias circula la sustancia misma de la vida, tan evanescente y real al mismo tiempo.

Director y crí­tico de cine francés. Su verdadero nombre es Jean-Marie Maurice Scherer, uno de los fundadores de la “nouvelle vague” y durante seis años jefe de redacción de la influyente revista de cine “Cahiers du Cinéma”.

Cuando Rohmer comienza a dirigir cortos, lo hace en un estilo deliberadamente simplificado, que le conduce al fracaso en su primer largometraje El signo de Leo, (1959), pero que supera tras unos años con su ciclo de “Cuentos morales”, en los que Rohmer trata siempre la misma temática y con el mismo esquema: hombres y mujeres, intentan analizar su propio comportamiento que con frecuencia no tiene nada que ver con sus acciones.

A Rohmer no le interesan los argumentos ni los dramas tradicionales, sino los pequeños e í­ntimos detalles de las relaciones y los aspectos paradójicos de la psicologí­a de sus personajes, prototipos de gente corriente en su vida cotidiana y muy particularmente en sus relaciones amorosas. La coleccionista (1963), Mi noche con Maud (1969), La rodilla de Clara (1970) y El amor después del mediodí­a (1972) son buenos ejemplos de su estilo. En 1980 Rohmer se embarca, con La mujer del aviador, en un nuevo ciclo que titula “Comedias y proverbios”; y en 1990, con Cuento de primavera, anuncia otro ciclo, el de los “Cuentos de las cuatro estaciones”.

Aparte de valoraciones personales, que pueden hacer el trabajo de Rohmer más que discutible, su valí­a como narrador simple y directo, y la vitalidad en el tratamiento de sus personajes, especialmente los femeninos, quedan demostradas con La marquesa de O (1975), una de sus pocas pelí­culas de época, o con otra más reciente de sus realizaciones, Las citas de Parí­s (1995), verdadero paradigma de comedia sencilla, inteligente y fresca. En 2001 rueda La inglesa y el duque y su último trabajo es Triple agente (2004).

————

ERIC ROHMER:
“Todaví­a no he dicho mi última palabra”

Con el estreno en España de
Triple agente
(2004) segunda entreg

(Madrid, 6 septiembre
1934 — Madrid, 30 noviembre
2009)

Más conocido por su nombre artí­stico Paul Naschy, fue un actor, director de cine, guionista y levantador de pesos
español.

Según él mismo, decidió dedicarse al cine de terror tras ver la pelí­cula Frankenstein y el hombre lobo y fue uno de los más famosos intérpretes del hombre lobo ya que realizó este papel en numerosas ocasiones, comenzando en 1968.

Su encarnación de numerosas figuras del cine de terror clásico como el hombre lobo, el jorobado, el conde Drácula, la momia… le han reportado el calificativo de El Lon Chaney español.

Uno de sus personajes más famosos es Waldemar Daninsky, un hombre-lobo que aparece en varios de sus filmes, comenzando en 1968 con La marca del hombre lobo.

Juan Carlos I, el rey de España, le entregó en 2001 la medalla de oro de las Bellas Artes por su carrera.^[]

Ha participado como actor en más de 100 pelí­culas y series de televisión, en 39 como guionista y en 14 como director.

En 2009 se publicó Alaric de Marnac, su única novela, en la que daba su última versión de personajes y sucesos ya pergeñados en pelí­culas como El espanto surge de la tumba (1972) o El mariscal del infierno (1974)

El 30 de noviembre de 2009 falleció a causa de un cáncer.

^[][]

Filmografí­a

Como director

• Inquisición (1976)
  
• El huerto del francés (1978)
  
• El caminante (1979)
  
• Madrid al desnudo (1979)
  
• El carnaval de las bestias (1980)
  
• Los cántabros (1980)
  
• El retorno del hombre-lobo (1981)
  
• Latidos de pánico (1983)
  
• La bestia y la espada mágica (1983)
  
• Operación Mantis (1984)
  
• El último kamikaze (1984)
  
• Mi amigo el vagabundo (1984)
  
• El aullido del diablo (1987)
  
• La noche del ejecutor (1992)
  

  
  

Como actor

• La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971)
  
• El gran amor del Conde Drácula (Javier Aguirre, 1972)
  
• La furia del hombre lobo (José Marí­a Zabalza, 1972)
  
• El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972)
  
• Dr. Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1972)
  
• Tarzán en las minas del rey Salomón (José Luis Merino, 1972)
  
• Las ratas no duermen de noche (Juan Fortuny, 1973)
  
• La venganza de la momia (Carlos Aured, 1973)
  
• El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1973)
  
• Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973)
  
• El asesino está entre los trece (Javier Aguirre, 1973)
  
• La orgí­a de los muertos (José Luis Merino, 1973)
  
• Disco rojo (Rafael Romero Marchent, 1973)
  
• La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1973)
  
• Los crí­menes de Petiot (José Luis Madrid, 1973)
  
• El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973)
  
• El mariscal del infierno (León Klimovsky, 1974)
  
• Una libélula para cada muerto (León Kimovsky, 1974)
  
• Todos los gritos del silencio (Ramón Barco, 1975)
  
• Muerte de un quinqui (León Klimovsky, 1975)
  
• La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975)
  
• Exorcismo (Juan Bosch, 1975)
  
• Los pasajeros (José Antonio Barrero, 1975)
  
• La diosa salvaje (Miguel Iglesias, 1975)
  
• Ambición fallida (Christian-Jaque, 1975)
  
• La cruz del diablo (John Gilling, 1975)
  
• Inquisición (Jacinto Molina, 1975)
  
• Tres dí­as de noviembre (León Klimovsky, 1976)
  
• Secuestro (León Klimovsky, 1976)
  
• Muerte de un presidente (José Luis Madrid, 1976)
  
• íšltimo deseo (León Klimovsky, 1976)
  
• El transexual (León Klimovsky, 1977)
  
• El francotirador (Carlos Puerto, 1977)
  
• Pecado mortal (Miguel Ángel Dí­az, 1977)
  
• El huerto del francés (Jacinto Molina, 1978)
  
• El caminante (Jacinto Molina, 1979)
  
• Madrid al desnudo (Jacinto Molina, 1979)
  
• El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1980)
  
• El carnaval de las bestias (Jacinto Molina, 1980)
  
• Los cántabros (Jacinto Molina, 1980)
  
• Misterio en la isla de los monstruos (Juan Piquer Simón, 1981)
  
• La batalla del porro (Joan Minguell, 1981)
  
• Buenas noches señor monstruo (Antonio Mercero, 1982)
  
• La espada del samurái (Jacinto Molina, 1982)
  
• Latidos de pánico (Jacinto Molina, 1983)
  
• La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983)
  
• Operación Mantis (Jacinto Molina, 1984)
  
• Mi amigo el vagabundo (Jacinto Molina, 1984)
  
• El último kamikaze (Jacinto Molina, 1984)
  
• Mordiendo la vida (Martí­n Garrido, 1986)
  
• El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987)
  
• Aquí­ huele a muerto… (¡pues yo no he sido!) (Álvaro Sáenz de Heredia, 1989)
  
• State of mind (Reginald Adamson, 1992)
  
• La noche del ejecutor (Jacinto Molina, 1992)
  
• Licántropo: el asesino de la luna llena (Francisco Rodrí­guez Gordillo, 1996)
  
• Cientí­ficamente perfectos (Francisco Javier Capell, 1996)
  
• Cuando el mundo se acabe te seguiré amando (Pilar Sueiro, 1998)
  
• El ojo de la Médusa (José Cabanach, 1998)
  
• Érase otra vez (Juan Pinzás, 2000)
  
• La gran vida (Antonio Cuadri, 2000)
  
• School Killer (Carlos Gil, 2001)
  
• El lado oscuro (Luciano Berriatúa, 2002)
  
• Octavia (Basilio Martí­n Patino, 2002)
  
• Mucha sangre (Pepe de las Heras, 2002)
  
• Tomb of The Werewolf (Fred Olen Ray, 2004)
  
• Countess Dracula’s Orgy of Blood (Donald F. Glut, 2004)
  
• Rojo sangre (Christian Molina, 2004)
  
• Rottweiler (Brian Yuzna, 2004)
  
• Um lobisomem na Amazí´nia (Ivan Cardoso, 2005)
  
• The Edgar Allan Poe Collection: Vol. 1: Annabel Lee & Other Tales of Mystery and Imagination (2006) Segmento
  
• El corazón delator (Alfonso S. Suárez)
  
• La duodécima hora (Rodrigo Plaza y Juanma Ruiz, 2007)
  
• Lagrimas de papel (Angel Gomez, 2007)
  
• El apóstol (Fernando Cortizo, 2008)
  
• La sonrisa del lobo (Javier Perea, 2009)
  
• La herencia Valdemar (José Luis Alemán, 2009)

(Tulsa, Oklahoma, 2 marzo 1919 — Malibu, California, 17 diciembre 2009)

Fue una gran estrella femenina de los años 40 y 50. Jennifer Jones (de nombre real Phyllis Flora Isley). Sus padres estaban inmersos en el mundo del espectáculo, pues poseí­an una sala de espectáculos y se dedicaban al vodevil. La pequeña Phyllis siempre se mostró gustosa de compartir la querencia interpretativa de sus progenitores, y desde muy niña actuó con ellos en sus shows. Cuando superó la adolescencia se matriculó en la American Academy of Dramatic Arts, ubicada en la ciudad de Nueva York. En la famosa escuela de interpretación, Jennifer conoció a Robert Walker, con quien se casarí­a en 1939. Ese mismo año consiguió entrar en el cine gracias a firmar un contrato con Republic.

Su gran oportunidad llegó cuando el productor David O. Selznick se fijó en ella y la contrató para intentar convertirla en una estrella. Le cambió el nombre definitivamente al de Jennifer Jones y la hizo protagonista de un buen número de producciones, que la confirmarí­an como una de las principales actrices de su tiempo.

El matrimonio con Robert Walker también se verí­a afectado por este encuentro profesional entre Selznick y Jones, ya que la pareja productor/actriz terminarí­an casándose en 1939. Anteriormente, en 1944, Walker y Jennifer se habí­an divorciado.

El éxito cinematográfico de la morena intérprete comenzarí­a con su interpretación en La canción de Bernadette (1943, Henry King) que le supondrí­a la consecución del Oscar a la mejor actriz.

El primer trabajo producido por David O. Selznick serí­a el filme Desde que te fuiste (1944, John Cromwell). Otros tí­tulos de Jennifer bajo producción de Selznick fueron Duelo al sol (1946, King Vidor), Jennie (1948, William Dieterle) y Adiós a las armas (1957, Charles Vidor).

Con Robert Walker y Joseph Cotten en Desde que te fuiste (1944)

En Cartas a mi amada (1945)

En Duelo al sol (1946) con Gregory Peck

Pero no sólo de colaborar con su marido se nutrí­a la carrera de Jennifer Jones, otras excelentes pelí­culas, productores y directores requirieron su presencia. Cartas a mi amada (1945, William Dieterle), El pecado de Cluny Brown (1946, Erns Lubitsch), Madame Bovary (1949, Vincente Minnelli), Carrie (1952,William Wyler), Estación Termini (1953, Vittorio De Sica), La burla del diablo (1953, John Huston), La colina del adiós (1955, Henry King), La terrible miss Dove (1955, Henry Koster o El hombre
del traje gris (1956, Nunnally Johnson) junto a Gregory Peck, fueron cintas destacadas que contaron con su presencia.

Las actuaciones de Jennifer Jones le proporcionaron, además del Oscar por La canción
de Bernadette, cuatro nominaciones más: Desde que te fuiste (1944), como actriz secundaria y Cartas a mi amada (1945), Duelo al sol (1946) y La colina del adiós (1955), como actriz principal.

Después de Adiós a las armas (1957, Charles Vidor), Selznick no produjo ningún tí­tulo más y Jennifer le acompañó en su retiro cinematográfico, regresando esporádicamente en los 60 con Suave es la noche (1962, Henry King), Falso í­dolo (1966, Daniel Petrie) y The Barrets of Wimpole Street (1957, Sidney Franklin).

Incluso en los años 70 se le vio en la superproducción El coloso en llamas (1974, John Guillermin e Irwin Allen). Fue su última pelí­cula.

En 1965 falleció David O. Selznick, dejando viuda a la actriz, quien reconducirí­a su vida sentimental en 1971 tras casarse con el magnate y coleccionista Norton Simon, creador de un famoso museo en Pasadena (EE.UU.). Tras la muerte de Simon, la ex actriz continuó gestionando el museo, en cuyo patronato figura la también actriz Candice Bergen.

Intérpretes: John Cusack,     

Hubo un tiempo en el que Stanley Phillips (John Cusack) tení­a claro cómo serí­a su vida: soñaba con alistarse y estaba destinado a hacer carrera en el ejército. Su sueño estuvo cerca de cumplirse, pero se vio truncado debido a su miopí­a. Ahora atiende a los clientes de una tienda de productos del hogar mientras que su mujer, sargento, combate en la guerra. Igual de torpe en casa que en el trabajo, Stanley se encarga de sus hijas, Heidi y Dawn, de 12 y 8 años. Aunque las quiere, es incapaz de asumir un papel más afectivo y las niñas echan mucho de menos a su madre. Mientras soporta su trabajo y se pelea con la paternidad, recibe la noticia de la muerte de su mujer. Él mismo no sabe cómo afrontarlo y se ve incapaz de contárselo a sus hijas. Desesperado por retrasar el momento de decí­rselo, se embarca con ellas en un viaje improvisado por carretera para darles sus últimos momentos de inocencia. Cuanto más se alejan de casa, más se estrecha su relación, pero Stanley sabe que tiene que enfrentarse a la tarea inevitable de cambiar sus vidas para siempre.

Intérpretes: Anchalee Saisoontorn

Drama romántico. La joya del cine tailandés del año “Wonderful Town” narra una historia de amor en un paraí­so perdido al sur de Tailandia: Takua Pa, una pequeña aldea costera que se repone del tsunami que acabó con la vida de varios miles de personas. Tom, un arquitecto de Bangkok, se traslada hasta allí­ para supervisar las obras de reconstrucción de un hotel en la playa, arrasado por el tsunami sufrido 3 años antes. Instalado en el único hotel que queda en pie, su interés por Na, la joven propietaria del establecimiento, despertará la desaprobación de los pocos habitantes del pueblo, que no conciben que allí­ pueda florecer la esperanza. Mientras, ambos tratan de descubrir cómo dar sentido a su presente. Una pelí­cula sobre el amor que nace donde no hay amor, como una flor que nace entre los escombros invisibles de Takua Pa.

A destacar la preciosa historia de amor que emociona hasta lí­mites insospechados. Es una preciosa mezcla de realismo social, que recuerda el neorrealismo italiano y romanticismo sutil y delicado. La maravillosa fotografí­a te deja extasiado. Este director muestra una gran habilidad para reflejar el estupendo guión, eliminando todo artificio. Los actores son no-profesionales lo que le da más autenticidad a la historia. Es increí­ble lo bien que ha empezado este director. Habrá que seguirlo. Wonderful Town puede ser lí­rica, puede ser mí­stica, puede ser hermosa dentro de un concepto decrépito (la ciudad de Takua Pa). Pero el devenir de las olas, no crea una historia. Podemos quedarnos ensimismados observando la marea, pero no deja de ser un ejercicio carente de verdadero argumento. Los rusos comenzaron usando este lirismo en el cine. El testigo cayó en tierras iraní­es. Y los festivales y humanistas estuvieron encantados de este goloso caramelo. Ahora, el testigo se acerca al cine tailandés. Si bien otros directores como Pen-Ek Ratanaruang, han sabido buscar un equilibrio rí­tmico-argumental, muchos otros han optado por sumergirse en largos planos y secuencias sin sustancia argumental. Tengo una amiga, que cuando estamos de paseo por la Tramuntana, se queda absorta contemplando una flor, o una piedra con forma extraña. Al principio esperaba, preguntándome que provocaba el embobamiento de mí­ amiga. Con la experiencia y el tiempo perdido esperando que saliera de sus ensoñaciones, caí­ en la cuenta que sus minutos no pasaban como los mí­os. Su mirada perdida no era más que las ganas de hacer pasar el tiempo. El director Aditya Assarat usa esa mirada perdida para hacer perder mis minutos, para tapar ese hueco argumental que no llegan a tapar los dos actores no profesionales de esta pelí­cula. Sus actuaciones, muy loables y por supuesto basadas en gestos, mimos y silencios, casan perfectamente con una ciudad muerta: fí­sica y mentalmente. Si bien bajo mi punto de vista, hubiera usado más esta relación de amor de una forma colérica, ardiente y fogosa que contrarrestara tanta vida inerte, tanto deambular por un lugar inhóspito y extraño. Wonderful Town recuerda mucho a esa extraña y compleja pelí­cula de Jia Zhang Ke llamada “Naturaleza muerta”.

Rodada con pocos mimbres, no en vano se trata de la ópera prima del director y los intérpretes son actores no profesionales, pero se trata de una pelí­cula bien rodada, quizá en exceso contemplativa, pero lo suficientemente intensa como para trasmitir sensaciones y despertar el interés por ella. Una historia de amor desde una óptica de melancolí­a, de tristeza, donde el entorno es un personaje más, de inmensa belleza natural pero que no puede quitarse el halo de la tragedia que asoló el lugar solo unos años antes. Esta sensación de cierta desesperanza se potencia por el contenido de esos silencios que cobran más importancia que la propia banda sonora. Una desesperanza que solo vence una triste historia de amor que surge con naturalidad y que se nos muestra en cierto modo como el oasis en medio del desierto. Una pelí­cula para ver con calma, sin prisa, disfrutando de sus silencios y de sus imágenes, en algunos momentos casi hipnóticas, dejándose llevar por la belleza de un entorno que invita precisamente a una historia de amor.

Intérpretes: Gabriel Byrne,
Roy Dupuis, Dakota Goyo, Christopher Plummer,
Susan Sarandon, Max von Sydow

Aritmética emocional es una historia de redención, cicatrización y reconciliación que surge a partir de la reunión de tres supervivientes de Drancy, el campo de reclusión instalado por los alemanes en las afueras de Parí­s durante la II Guerra Mundial. En 1942, Jakob Bronski, un joven disidente encarcelado en Drancy, decide proteger a dos niños, Melanie y Christopher. Cuarenta años después, Melanie descubre que Jakob sigue vivo. Siempre habí­a creí­do que, después de ser trasladado a Auschwitz, habí­a muerto. Le invita a vivir en la granja familiar, en Canadá. Pero Jakob no llega solo, trae a Christopher. Melanie y Christopher deberán reconocer el poderoso ví­nculo que existe entre los dos. El pasado explota en el presente en una tierna e inesperada historia de amor que cambiará sus vidas y la de los seres que les rodean.

Historia de redención, cicatrización y reconciliación que surge a partir de la reunión de tres supervivientes de Drancy, el campo de concentración instalado por los alemanes en las afueras de Parí­s durante la II Guerra Mundial. En 1945, Jakob Bronski, un joven disidente encarcelado en Drancy, decide proteger a dos niños, Melanie y Christopher. Cuarenta años después, Melanie descubre que Jacob sigue vivo. Siempre habí­a creí­do que después de ser trasladado a Auschwitz habí­a muerto. Le invita a vivir en su granja familiar, en Canadá. Pero Jakob no llega solo, trae a Christopher. Melanie y Christopher deberán reconocer el poderoso ví­nculo que existe entre los dos. El pasado explota en el presente en una tierna e inesperada historia de amor.´ Melanie Lansing Winters (Susan Sarandon) fue enviada a Drancy, un campo de trabajo y estación de paso hacia Auschwitz instalado al norte de Parí­s, siendo apenas una adolescente. Sus padres, judí­os estadounidenses que viví­an en Parí­s, habí­an desaparecido misteriosamente. En el campamento, Christopher Lewis (Gabriel Byrne), un chico inglés de 13 años que ha perdido a sus padres periodistas, se hace amigo de Melanie. Christopher no es un judí­o; fue llevado al campo por un error de la policí­a francesa. Jakob Bronski (Max Von Sydow), un joven disidente polaco que hace las veces de médico y “censador” extraoficial en el campo, decide protegerlos. Durante tres terribles años en el campo, se forma un ví­nculo irrompible entre ellos. Muy poco antes del fin de la guerra, Jakob convence a los soldados de que le dejen ocupar el sitio de Melanie y de Christopher en el tren que le llevará a Auschwitz. Cuando las tropas aliadas liberan Drancy, los dos adolescentes no saben si Jakob está vivo o muerto. Melanie es devuelta a Estados Unidos para vivir con unos parientes, y Christopher, a Inglaterra. Melanie se convierte en una atractiva joven, conoce a David Winters (Christopher Plummer), un profesor de historia bastante mayor que ella. Se casan y se trasladan a Canadá. Tienen un hijo, Benjamin (Roy Dupuis).Melanie equilibra su precaria salud mental con su inteligencia. Esta mujer vitalista que sufre frecuentes depresiones se ha pasado la vida trabajando sin descanso por las ví­ctimas de la opresión polí­tica. Ha seguido el ritual “censador” que le inculcó Jakob hace tantos años en Drancy. Su obsesión por las ví­ctimas y los presos le permite descubrir que Jakob sigue vivo. Consigue localizarle en un hospital psiquiátrico en Moscú. Sin dudarlo, le pide que se traslade a vivir con ella y su familia a la granja que tienen en una ciudad al este de Quebec. Su matrimonio con David no la hace feliz. “Guerreros en el campo de batalla del matrimonio”, pero ella misma dice que no sabrí­an qué hacer el uno sin el otro. Se han separado y reconciliado numerosas veces. David se protege de los cambios de humor de Melanie, de sus depresiones, con aventuras extramatrimoniales. Cuando David sufre un infarto, Benjamin decide regresar con su hijo Timmy para mantener el delicado equilibrio del hogar familiar. Christopher vive en Parí­s. Es entomólogo especializado en avispas. Ese hombre solitario sigue sintiendo el mismo amor que nunca le declaró a Melanie. Jakob le encuentra y decide llevarle a Canadá para dar una sorpresa a Melanie. Jakob, que ha pasado 40 años de su vida encarcelado en Drancy, Auschwitz, prisiones soviéticas y hospitales psiquiátricos, se dio a conocer como el “Poeta del gulag”. Los experimentos y la terapia de choque le han hecho daño, pero no le han destruido. Melanie, invitándole a vivir a su casa, quiere expresarle su gratitud por salvarle la vida. En su primera reunión al cabo de tantos años, los tres supervivientes se verán atrapados en una potente corriente de amor, dolor y confusión.

En previsión de una alegre y muy esperada reunión, la familia prepara una gran cena para cuando lleguen Jakob y Christopher. A pesar del bucólico paisaje, el ambiente es tenso. Jakob es impredecible. Melanie es frágil. David es hostil porque Melanie acaba de regresar del hospital y la llegada de los huéspedes le irrita. Benjamin intenta escaparse de la siempre conflictiva relación entre sus padres cocinando. Christopher, que siempre habí­a conseguido impedir que los recuerdos interfirieran en su rutina diaria, pierde ese delicado equilibrio. Timmy, el hijo de Benjamin, desconoce el pasado y pasea por la historia, acercándose a cada uno de ellos para que alguien vaya al lago con él a escuchar a las ranas croar. La cena se acerca y los recuerdos aparecen de entre las sombras. Emergen sentimientos que no se habí­an expresado, colisionan y el pasado cobra vida. Melanie se da cuenta de que su cuidadosa labor de censar los horrores presentes para olvidar los del pasado ya no tiene sentido cuando recupera recuerdos aterradores y tiernos. El ritual de la cena se desmorona, pero aparecen pequeños rituales de “honradez” cuando los personajes se atreven a ser sinceros con el otro… Jakob y David, Benjamin y Jakob, David y Melanie, Jakob con Christopher y Melanie y, finalmente, Christopher y Melanie.

Aritnética emocional es una historia desgarradora que plantea preguntas difí­ciles. ¿Hay heridas que nunca se cierran? ¿Hasta qué punto entendemos a otra persona, incluso a nuestro compañero sentimental? ¿Comprendemos las relaciones que han nacido del sufrimiento y del horror que no hemos conocido?

Con más de 200 pelí­culas, era uno de los más grandes y prolí­ficos actores españoles de cine y del teatro del siglo XX, dotado de una inconfundible comicidad que con gran versatilidad supo compatibilizar con papeles dramáticos. El actor llevaba ya una larga temporada enfermo, desde su regreso al cine con la pelí­cula ¿Y tú quién eres?, de Antonio Mercero, rodada hace un par de años. Una muchachita de Valladolid, Los tramposos, Tres de la Cruz Roja, Vuelve San Valentí­n, La gran familia, Los guardiamarinas, Sor Citroí«n, ¡Cómo está el servicio!, Operación Mata-Hari, La decente,
La escopeta nacional, La verdad sobre el caso Savolta, Patrimonio Nacional, La colmena, La Corte del Faraón, Moros y Cristianos, Todos a la cárcel o Torrente 2, misión en Marbella, fueron sólo algunos de los cientos de tí­tulos en los participó. También destacó como actor en televisión, con series como “Los ladrones van a la oficina”, y fue el protagonista de “La cabina” (ganador de un Emmy), también dirigido por Mercero. A lo largo de su carrera recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes (1985), el Premio Nacional de Teatro 2002, el Goya de Honor 2004, además de la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo 1997 o la de Oro al Mérito en la Bellas Artes 2001.

Era uno de los más grandes y prolí­ficos actores españoles de cine y del teatro del siglo XX, dotado de una inconfundible comicidad que con gran versatilidad supo compatibilizar con papeles dramáticos. El actor madrileño, nacido el 11 de marzo de 1922, llevaba ya una larga temporada enfermo, desde su regreso al cine con la pelí­cula ¿Y tú quién eres?, de Antonio Mercero, rodada hace un par de años. ¿Su secreto? No habí­a secreto en un actor capaz de cualquier papel. Desde la agoní­a del protagonista de ‘La cabina’, de Antonio Mercero, hasta el nerviosismo trémulo de sus mejores papeles cómicos (irresistible de padrino a brazo partido contra Chencho). Se quejaba el actor que llegó a trabajar en Hollywood a las órdenes de George Cukor (Viajes con mi tí­a) de que la comedia no estaba bien vista, que nadie se la tomaba en serio. «En el drama estás asistido por un relato y una apostura. Te puedes quedar sin aspavientos y sin nada, con sólo una luz, y conmueves…

Nunca les dieron un Oscar a los hermanos Marx, y creo que tampoco a Chaplin», decí­a. Lo decí­a después de admitir que en España la risa es siempre algo trágica. «La carcajada aquí­ es algo negra». Quizá, y más en dí­as como hoy, hasta amarga. José Luis López Vázquez era hijo de una modista y de un funcionario de Justicia que abandonó a su familia a los pocos años de nacer el futuro actor, quien creció en un hogar formado por su madre, su tí­o y su abuela. Se formó como actor en el Teatro de las Organizaciones Juveniles y en el TEU, pero también era figurinista y
escenógrafo, faceta en la que destacó durante los años cincuenta y sesenta en obras como “El casamiento engañoso” de Gonzalo Torrente Ballester, “Adí¨le o la margarita“, de Jean Anouilh, “El grillo“, de Carlos Muñiz o Clerambard, de Marcel Aymé. ^[ Fue ayudante de dirección de Pí­o Ballesteros y Enrique Herreros y en 1946 debutó como actor con la obra “El anticuario“, en el Teatro Marí­a Guerrero; su carrera cinematográfica comenzó en 1951. Formó parte de las compañí­as de Conchita Montes y de Alberto Closas. En el cine interpretó en un principio papeles cómicos haciendo pareja con Gracita Morales, pero hacia los años sesenta empezó a actuar en pelí­culas dramáticas y llegó a aparecer en más de 200 largometrajes, de los que rodaba varios al año; en 1971 apareció como actor en nada menos que once filmes.

La mayorí­a son comedias al uso firmadas por los prolí­ficos directores José Marí­a Forqué, Pedro Lazaga
y Mariano Ozores, pero otras veces son trabajos de más entidad para directores como Carlos Saura, Jaime de Armiñán, Pedro Olea, Antonio Mercero, Manuel Gutiérrez Aragón, Mario Camus, Juan Antonio Bardem, Marco Ferreri y Luis Garcí­a Berlanga. Entre sus trabajos para el cine destacan tí­tulos como Plácido, El verdugo, Peppermint Frappé, Atraco a las tres, La prima Angélica y la trilogí­a de Patrimonio nacional,
de Luis Garcí­a Berlanga, con quien llegó a rodar diez pelí­culas. También El actor falleció a los 87 años tras una larga enfermedad. ^[Intervino junto a Gracita Morales en 40 cintas; con Rafaela Aparicio en 26; con Alfredo Landa en 17; y junto a José Sacristán en 14 tí­tulos.